Flores del Fango: Painting

domingo, 27 de octubre de 2024

Tremendista

sábado, 25 de noviembre de 2023

Interior holandés

'Interior holandés'
1920 (Arnemuiden, Holanda)
Antonio Ortiz Echagüe*
Cedida al Museo De Bellas Artes De Sevilla
Propiedad del Centro De Arte Reina Sofía
*Hermano del fotógrafo Josè Ortiz Echagüe

jueves, 31 de agosto de 2023

La pionera de la abstracción

jueves, 15 de diciembre de 2022

lunes, 16 de agosto de 2021

Alberto Mielgo

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>TRON: La Resistencia
>The Witness
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domingo, 22 de diciembre de 2019

Ceija Stojka, superviviente romaní del holocausto

Ceija Stojka. Foto: Christa Schnepf

“Un día antes [de revisitar un campo de concentración] tuve este sueño: que las montañas de muertos se iban juntando hasta formar un gigantesco pájaro-humano. Las fosas comunes se iban levantando una detrás de otra para convertirse en su tronco. Y juntas se las arreglaban para formar un pájaro de tumbas humanas. Eso fue lo que soñé, y los sueños, a nosotras las víctimas, no nos dejan”.

Arsmagazine | Reina Sofía | Holocaust Encyclopedia | El País | YouTube

jueves, 12 de diciembre de 2019

Las pinturas del músico

'Waiting'. Oil on canvas.
'Esperando'. Óleo sobre lienzo.
James F. Johnston Don't Walk Walk Gallery | Instagram | Facebook
[Gallon Drunk, PJ Harvey, Nick Cave, Lydia Lunch...]

"This is the fith in a series of paintings wich have pathos for the subject.

They are about mid life crisis, aging, fear, uncertainty and not feeling part of what is going on around us. Dissociated.

They are about taking stock of what has been and contemplating what is ahead.

i use vibrant colours contrast with very dark colours to heighten these often discordant emotions and show this conflict between certainty and uncertainty, hope and regret, joy and stress, sanity and insanity - to express more psychological aspects of being human; the human condition."

"Esta es la quinta de una serie de pinturas que tienen el pathos como tema.

Tratan sobre la crisis de la mediana edad, el envejecimiento, el miedo, la incertidumbre y no sentirse parte de lo que sucede a nuestro alrededor. Disociado. Intentar hacer un balance sobre lo que pasó y contemplar lo que está por venir.

Utilizo colores vibrantes que contrastan con colores oscuros para aumentar estas emociones a menudo discordantes y mostrar este conflicto entre certeza e incertidumbre, esperanza y arrepentimiento, alegría y angustia, cordura y locura, para expresar aspectos psicológicos del ser humano; la condición humana."

jueves, 25 de octubre de 2018

La Bruja de Haarlem

"Malle Babbe es una pintura del pintor holandés de la Edad de Oro Frans Hals, pintada entre 1633 y 1635 y ahora en la Gemäldegalerie, Berlín. La pintura también ha sido titulada como Halle Bobbe o la bruja de Haarlem. Tradicionalmente se interpretaba como una pintura de género, en formato de retrato, que representaba una bruja como figura mítica. La pintura ahora se identifica a menudo como un retrato de estilo genérico de alguien específico de Haarlem, conocida como Malle (que significa "loca") Babbe, que puede haber sido alcohólica o padecer una enfermedad mental. [1]

La pintura ha sido objeto de admiración artística desde la vida de Hals, ya que hay varias copias y variantes pintadas por sus seguidores. Fue admirado por Gustave Courbet, quien hizo una copia en 1869 mientras estaba en Munich. [2]

La pintura mide 75 × 64 cm y muestra el rostro de una mujer sonriente, sentada en la esquina de una mesa, aparentemente hablando o riéndose de alguien o algo a la derecha del lienzo. Con la mano derecha, la mujer agarra una jarra de cerveza de peltre con la tapa abierta. Un búho se sienta en el hombro izquierdo de la mujer. La ropa de la mujer es simple y se corresponde con la moda alrededor de 1630 en Haarlem. Su rostro está animado en una mueca casi maníaca. El manejo muy libre de la pintura es típico del estilo de Hals, y no es muy diferente al de sus retratos más formales.

La pintura estuvo mal etiquetada durante mucho tiempo como Halle Bobbe (alternativamente The Witch of Haarlem) a través de una mala lectura de la inscripción en la parte posterior del marco de la imagen que de hecho lee Malle Babbe van Haerlem ... Fr [a] ns Hals (Malle Babbe de Haarlem).

Bajo la interpretación de la bruja, el búho era considerado un posible familiar. Sin embargo, el tema de Frans Hals en sus otros cuadros sugeriría que la pintura es probablemente de una escena de pub, en cuyo caso el búho reflejaría un proverbio holandés, "borracho como un búho".

La investigación en el municipio holandés de Haarlem mostró que realmente existió una Malle Babbe, llamada Barbara Claes. [1] La incluyeron en una lista de residentes del hospital local llamado Het Dolhuys, ubicado fuera de las murallas de la ciudad, que atendía a personas que eran peligrosas para ellos mismos o para la sociedad, así como un hospicio para viajeros que llegaban después de que las puertas de la ciudad se hubieran cerrado. Alrededor de 1642, Pieter Hals, un hijo de Frans Hals, también se encontraba en este hospicio. Hals y esta Malle Babbe probablemente ya se conocían en esa época, ya que evidentemente era una personalidad conocida en Haarlem, aunque ninguno de sus detalles biográficos sobrevive, excepto que murió en 1663. En holandés, el adjetivo "Malle" significa "chiflado" y no es raro ver a los pintores o escritores representar este tipo de figura de aldea. En este tipo de representación, se puede encontrar un registro de figuras desequilibradas de la sociedad como pertenecientes al escenario de la vida cotidiana, o el artista puede disfrutar explorando la delgada línea entre la cordura y la locura.

El Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York posee una pintura similar. No está claro quién es el creador de esta pintura. En el pasado, también se atribuyó a Frans Hals, pero ahora se cree que es el trabajo de uno de sus alumnos.

Otra variante representa a Malle Babbe acompañada por un bebedor masculino. Hay dos pinturas de autoría desconocida en las que está representada con una figura masculina adaptada de una obra de Adriaen Brouwer. Ambas figuras están representadas detrás de una mesa llena de peces. También hay dos retratos que aparentemente representan a Babbe, pero sin la lechuza.

En los Países Bajos, la pintura también dio su nombre a una canción conocida, escrita por Boudewijn de Groot y Lennaert Nijgh y interpretada por primera vez en 1973 por Rob de Nijs. El tema real de la canción "Malle Babbe", sin embargo, se inspiró en otra pintura de Frans Hals, The Gypsy Girl, que representa a una joven tetona, posiblemente una prostituta. La canción celebra su sexualidad lujuriosa. Sin embargo, también se refiere a tener una cerveza espumosa en una taberna, el escenario de Malle Babbe, no The Gypsy Girl. Ambas imágenes fueron vistas por Nijgh en una exposición de 1962."

>Wikipedia (English)

lunes, 28 de mayo de 2018

El guardarropa de Frida

Gafas plásticas de sol (1950)

'Las apariencias engañan'
Frida Kahlo en Google Arts & Culture

jueves, 18 de enero de 2018

Georges De La Tour

Este pintor francés del siglo 17, cuyas obras fueron adquiridas en su tiempo por las más altas esferas para luego permanecer olvidado hasta su reivindicación en el siglo pasado, parece haber servido de inspiración para la ambientación de la serie 'La Peste'. Paradójicamente, es probable que De La Tour también acabara sus días víctima de otra epidemia. Algunos de los pocos cuadros suyos que han llegado hasta nuestros días presentan un alarde de iluminación en su particular obsesión por escenas iluminadas tenuamente por velas, posiblemente influenciado en su temática y tratamiento por otro precursor maestro del claroscuro, Caravaggio, en quien también parecen haberse fijado para la misma serie de televisión. Ambientada en la decadencia de la Sevilla del Renacimiento, la repercusión de la serie, a pesar de una trama algo floja, ha servido para trazar una ruta turística por edificios que aún siguen en pie y otros ya demolidos.

This French painter of the 17th century, whose works were acquired in his time by the highest spheres and then remained forgotten until his claim in the last century, seems to have served as inspiration for the visuals of the series 'La Peste'. Paradoxically, it is likely that De La Tour also ended his days victim of another epidemic illness. Some of the few paintings of his that have survived to this day present a boast of illumination in his particular obsession with scenes lit up by candles, possibly influenced by his themes and treatment by a previous chiaroscuro master, Caravaggio, who also seems to have inspired the visuals for the same Tv series. Located in a 16th century Seville, the show has served for a tourist tour through still standing buidings or vanished ones.

sábado, 5 de agosto de 2017

Las pinturas de Kelsey Henderson

>Website: http://www.kelsey-henderson.com/

Kelsey. Foto: Violet Shuraka [Cheap & Plastique]

EscuchaListen
▶Sort Sol ft. Chelsea Wolfe·'Life Took You For a Freq'
▶The Wolfmanhattan Project·'Smells Like You'
▶Twin Guns·'Johnny's Dead'
▶Tom Waits·'Dead and Lovely'
▶Pink Turns Blue·'Your Master Is Calling'
▶Scars·'Horrorshow'
▶Barry Adamson·'Mr. Eddy's Theme 1'
▶David Bowie·'I'm Deranged (Reprise)'
▶Antonio Carlos Jobim·'Insensatez'

jueves, 1 de junio de 2017

Gee Vaucher, la artista anarquista

Gee Vaucher, the anarchist artist

Portada para 'The Feeding of the 5000'

'Acts Of Love'

Portada de International Anthem no.2

'Dictator'

'Oh America'

'Give Us Justice'

'Inside Out'

Poster para el single 'Bloody Revolutions'

'Domestic Violence', International Anthem no.2

'Our Father'

Pintura para 'Penis Envy'

'Your Country Needs You', reedición de 'The Feeding of the 5000'

La banda Crass se formó en una comuna que convivía en una granja conocida como Dial House, en el condado británico de Essex. Se les suele ignorar en el repaso a las bandas punk, salvo por su conocido símbolo, diseñado originalmente por David King para un fanzine-manifiesto que los miembros de la banda editaron tiempo antes de planear su asalto musical y que se convirtió en un clásico para camisetas, tatuajes, parches... En realidad, y a pesar de una abundante discografía, Crass surgieron, aunque inspirados sus fundadores Penny Rimbaud y Steve Ignorant por un recital de los primeros Clash, más bien como una anti-banda, un combo anti-música de alguna manera. Sus conciertos eran para algunos de sus integrantes un vehículo para diseminar su mensaje político anti-sistema, parecido a lo que estaban haciendo sus amigos de Poison Girls aunque estos eran más musicales. Los beneficios del grupo, que además crearon un sello discográfico propio para hacer las cosas a su manera, eran reinvertidos en continuar sus aventuras, en proyectos afines, en ayudar a todo aquel que conocían y tenía dificultades para salir adelante y que, muchas veces, recogían en la comuna. Activismo y altruismo básicamente. A veces incluso los seguidores pasaban a formar parte de la banda, como fue el caso de su cantante principal, Eve Libertine. Gee Vaucher fue también miembro fundador del colectivo, para los que diseñaba el arte de discos y publicaciones. Significativos y celebrados son esos collages políticos que aparecían en sus discos y que se convirtieron en marca reconocible de la casa. Gee recaló en la comuna después de pasar por una decepcionante experiencia en Nueva York como ilustradora política para revistas, siendo censurada por sus jefes en demasiadas ocasiones. Paradójicamente, su creación de la Estatua de la Libertad cubriéndose la cara con espanto, que ya usara muchos años antes el grupo de hip-hop Tackhead para el álbum 'Friendly as a Hand Grenade', sería portada del Daily Mirror ante la victoria de Trump y se volvería viral, es decir, muy celebrado en Internet. Gee continúa exhibiendo sus creaciones, con la particularidad de que no vende originales (que almacena como puede en la granja) sino reproducciones y libros. Y de vez en cuando reniega de la etiqueta anarquista por lo que tiene de nihilista, para señalar que Crass eran más bien activistas libertarios.

Crass was formed in a commune that lived on a farm in Essex, known as the Dial House. They are often ignored when it comes to reviewing punk bands, except for their well-known symbol, designed by David King for a fanzine-manifesto that the band members edited long before conceiving their musical assault and which became a classic for t-shirts, Tattoos, patches... Actually, despite an abundant discography, Crass emerged, although inspired its founders Penny Rimbaud and Steve Ignorant by a Clash gig, rather as an anti-band, an anti-music combo somehow. Their shows were for some of his members a vehicle to disseminate their anti-system political message, as were doing their friends Poison Girls although these in a more developed musical style. The benefits of the group, self-published by their own record label that allowed them to do things their own way, were reinvested in continuing their adventures and in related projects or to help everyone they knew and had difficulties, some of those many times welcome in the commune. Activism and altruism basically. Sometimes even the followers became part of the band, as was the case of their lead singer, Eve Libertine. Gee Vaucher was also a founding member of the collective, for whom she designed the art of albums and publications. Significant and celebrated are those political collages that appeared on their records and which became their recognizable image. Gee landed in the commune after going through a traumatic experience in New York as a political illustrator for magazines, being censored by bosses on too many occasions. Paradoxically, her creation of the Statue of Liberty, covering face with horror first used for the cover of the album 'Friendly as a Hand Grenade' by hip-hop group Tackhead, would be the cover of the Daily Mirror for Trump's victory and would become viral, that is, very celebrated on the Internet. Gee continues to exhibit her creations, with the peculiarity that she does not sell originals (stored in the farm), but reproductions and books. And from time to time she denies being an anarchist but a libertarian.

Gee Vaucher. Foto: Charlie Waterhouse

'Friendly as a Hand Grenade', Tackhead 1989

Daily Mirror, 2016

viernes, 12 de mayo de 2017

Las pinturas de la Quinta del Sordo

'Perro semihundido'

'Asmodea'

'Dos mujeres y un hombre'

'Dos viajeros comiendo'

'Dos viejos'

'Duelo a garrotazos'

'El aquelarre' también conocido como 'El gran cabrón'

'Judit y Holofernes'

'La lectura'

'Las parcas'

'Romería de San Isidro'

'El santo oficio'

'Saturno'

'Una manuela'

Mucho se ha discutido sobre "las pinturas negras", serie de últimas pinturas murales realizadas (supuestamente) por Goya sobre dos estancias de su residencia final, conocida como la "Quinta del Sordo", una finca que terminó siendo pasto del tiempo y demás vicisitudes y que estaba situada entonces a las afueras de Madrid, en lo que hoy es el Distrito Latina (no confundir con el barrio de mismo nombre). La temática siniestra, a veces casi delirante, de gran parte de la serie se solía relacionar comúnmente con una etapa de enfermedad y consumo de láudano de Goya, aunque no fuera la primera vez que el artista abordaba representaciones espinosas. También se han atribuido las pinturas a su hijo, de quien no se conoce más obra que esa y del que se comentó practicó su arte sobre pinturas anteriores de su progenitor, una teoría que ha sido rebatida posteriormente con contundencia. Los murales, cuyo único testimonio original público son unas fotos in situ de Jean Laurent, fueron reproducidos en lienzo por manos ajenas tiempo después. Numerosos estudios han intentado desentrañar algunos de los misterios que rodean a esta serie. Se han perdido detalles de su proceso debido a que sólo se poseen las copias y que, además, las pinturas originales habrían sufrido en su momento varias alteraciones. En relación a esto en las fotos de Laurent el misterioso perro solitario, que tanta curiosidad despierta, parecía mirar dos manchas de pintura, o lo que algunos han querido ver como dos pájaros en vuelo. Las pinturas, o mejor dicho sus reproducciones en lienzo, se pueden encontrar en el espacio habilitado para tal fin en el Museo Del Prado. El asunto de la autoría de obras de Goya, como ocurre en tantos otros casos, depara sorpresas a veces insospechadas. En 2008, por ejemplo, un cuadro conocido como 'El Coloso', en el Prado desde 1931, era atribuido oficialmente por el propio Museo a un discípulo de Goya.

Much has been discussed about the series of (last) paintings by (supposedly) Goya on walls and doors of two rooms of his final residence near Madrid, known as the "Quinta del Sordo", a villa that ended up being pasture of time and other matters. The sinister themes of the paintings, sometimes almost delirious, was commonly asumed was related to Goya's illness and his consumption of laudanum, although it wouldn't be the first time he painted thrilling scenes. Others attributed the paintings to his son, of whom there would be no more known work than that, who seemed to practice his art over previous paintings by his progenitor, a theory that has been strongly denied later. The paintings, of wich the only original testimony are photographs by Jean Laurent, were reproduced on canvas by other hands. Numerous studies have attempted to unravel some of the mysteries surrounding this series. Thanks to that we know, for example, that due to the overlapping of paint suffered by the murals, important details have been lost. In relation to this the mysterious solitary dog, that has awakened much curiosity over the years, could be watching two stains of paint that some people related to a pair of birds in flight. It seems to be captured so in Laurent's photos. The paintings, or more properly the copies on canvas, can be found in the space enabled for this purpose in the Museo Del Prado. The issue of the authorship of Goya's works, as in so many other cases, brings unexpected surprises from time to time. In 2008 a painting known as 'The Colossus' and in the Museo Del Prado since 1931, was officially attributed by the museum to a disciple of Goya.