Conciertos soñados

André Saraiva
Dream Concerts

Sold Art |  Artsy | APARTE | purple


▶New York Dolls - Vietnamese Baby
▶The Velvet Underground - Foggy Notion
▶Lou Reed - Caroline Says II 
▶Menthol Wars - Even Lower Manhattan
▶Lydia Lunch - 3x3
▶Gray - Shades Of... feat. Jean Michel Basquiat
▶James Chance - Buy Contortions 

Pioneros de Los Ángeles

El fotógrafo Esteval Oriol (también conocido como Steve O) y el tatuador y grafitero Mr. Cartoon (nombre real Marcos Machado) son dos socios y amigos chicanos omnipresentes en la escena originaria del hip-hop angelino como artistas, managers, diseñadores y amigos de farra de figuras como Cypress Hill, House Of Pain, Eminem o Snoop Doggy Dog entre muchos otros. Este documental es una semblanza de su amistad y trabajo.

Photographer Esteval Oriol (also known as Steve O) and tattoo and graffiti artist Mr. Cartoon (real name Marcos Machado) are two omnipresent Chicano partners and friends in the original scene of Los Angeles hip-hop as artists, managers, designers and friends of figures such as Cypress Hill, House Of Pain, Eminem or Snoop Doggy Dog among many others. This documentary is a semblance of their friendship and work.

Netflix | IMDb | FilmAffinity

Los grandes éxitos

3D
Heligoland Orange Glitter
30/11/2010


>picturesonwall
Pequeña selección de la extinta* galería de artistas grafiteros
Extinted* Graffiti art gallery little selection
(*Vencidos por el mercado dicen Outtaken by market they say)

Las mujeres son heroicas

>Women Are Heroes Full DOC - YouTube
Subtítulos en las pestañas correspondientes del vídeo

'Women Are Heroes' (2010) es un documental y proyecto del artista activista francés JR, conocido por la técnica de retratar en fotografía e instalar grandes ampliaciones integradas en el paisaje en un ánimo humanista de reivindicar la importancia de los civiles anónimos. En este caso se centra, como el título deja claro, en las mujeres.

'Women Are Heroes' (2010) is a film and project by activist artist JR, known for his big photo portraits settings of unknown civilians to call attention upon the importance of humanity. This one is focused, the title says it all, in women.

Pinturas de Robert Del Naja (Massive Attack) para el 'War Stories' de UNKLE (2007)

Paintings by Robert Del Naja (Massive Attack) for UNKLE's 'War Stories' (2007)


'Peace At Last'


'Death Disco'


'Four Noble Truths'


'International Jihad'


'No Surrender'


'Paris'


'Reflected Jet'


'Renewable Fuel'


'Beirut'


'Roadmap Pieces'


'Unvelievable Proof'


'Hold My Hand'

Robert Del Naja, además de integrante y responsable durante casi dos décadas de la exitosa y prestigiosa banda Massive Attack, comenzó a ser conocido inicialmente en su Bristol natal como un artista politizado de grafiti con el apodo de 3D (nombre por el que aún es conocido) y a quien Banksy ha reconocido como influencia, además de participar en distintos eventos con el "Sound System" conocido como The Wild Bunch junto a sus futuros compañeros de banda* (se puede conseguir por ahí si se busca bien algún testimonio sonoro de aquellas sesiones). También, además de editar con Massive Attack alguna de la música más interesante de los últimos años, ha venido colaborando en distintos aspectos de la presentación visual de la banda (en entrevistas ha manifestado sus diferencias con los responsables de su discográfica por impedirle enriquecer las publicaciones con el máximo contenido posible) y en épocas más recientes su pintura y estilo artístico se presentaba notablemente visible en la portada del Ep 'Splitting The Attom' (2009) o el último álbum de la banda hasta la fecha, 'Heligoland' (2010). En 2007 colaboró con sus paisanos de la banda de electrónica y rock UNKLE para el arte visual que decoraba la carpeta y el libreto del álbum 'War Stories', un trabajo notablemente inspirado por los tiempos convulsos del ataque a las torres gemelas de Nueva York y las posteriores repercusiones bélicas y de protestas pacifistas, que luego inspiraría alguna exhibición relacionada y que definitivamente empezó a ponerle en el punto de mira del mercado artístico. Recientemente ha editado un vinilo con el proyecto multidisciplinar Battle Box y ha publicado un libro con muestras de su pinturas.

*Aquel colectivo incluía a Tricky que llegó a grabar en el primer álbum de Massive Attack antes de iniciar su carrera en solitario.

Robert Del Naja, a founding member of successful and prestigious band Massive Attack, initially became known in his native Bristol as a politicized graffiti artist using the nickname of 3D (name by which he is still known) and who Banksy mentioned as an influence, as well as participating in events with the Sound System known as The Wild Bunch along his future bandmates* (available out there if you search well some recording of those sessions). Also, besides playing with Massive Attack some of the most exciting music in recent years, he has been working on various aspects of the visual presentation of the band (in interviews he has expressed his differences with the record executives for not letting him enrich publications with the greatest possible care) and more recently his painting and artistic style appeared remarkably visible on the cover of the EP 'Splitting The Attom' (2009) or the band's last album to date, 'Heligoland' (2010). In 2007 he collaborated with the band UNKLE in the visual art that decorated the folder and booklet of the album 'War Stories', a work greatly inspired by the troubled times of the attack on the twin towers in New York and subsequent impact of war tactics and anti-war protests, a work that also inspired some related exhibition and resulted definitely in his formal jump to the Art Market. Most recently he has published a vinyl pressing with a new multimedia project under the name Battle Box and has published a book with samples of his paintings. 

*The crew also included Tricky who even took part as a member in the first Massive Attack album before starting his solo career.



EscuchaListen (DeFrom 'War Stories')
▶UNKLE featuring Ian Astbury·'Burn My Shadow'
▶UNKLE feat. Ian Astbury·'When Things Explode'
▶UNKLE feat. Gavin Clark·'Keys To The Kingdom'
▶UNKLE·'Hold My Hand'

El Chico Radiante

'The Radiant Child' es un documental sobre el artista de carrera meteórica Jean-Michel Basquiat (1960-1988), un tipo que pasó en pocos años de vivir como vagabundo en la calle practicando un grafiti conceptual a cotizado pintor clave en la Historia reciente del Arte. El hilo conductor del documental es una entrevista casera que la directora del filme y amiga personal del artista, Tamra Davis, le hizo poco antes de su fallecimiento y que sirve para desgranar paso a paso su carrera y vida personal. Aunque crecido en un ambiente de clase media, Basquiat marchó de casa en su adolescencia marcado por su rebeldía y cierto deseo romántico de libertad y se decidió a vagar por Nueva York, sobreviviendo a duras penas y decorando la ciudad con sentencias misteriosas firmadas como SAMO que destacaban en medio del boom del grafiti y la cultura urbana, algo que le sirvió para llamar la atención sobre su persona por lo que tras una serie de afortunados encuentros y aprovechando el interés generado se hizo súbitamente un hueco estelar en la escena artística, pasando así a alternar con el ambiente V.I.P. de entonces, amante de Madonna y protegido de Andy Warhol por poner un par de ejemplos significativos, vendiendo practicamente toda la obra cada vez que se estrenaba una exposición suya lo que lo convirtió de repente en millonario jugando casi en la misma liga que la figura artística de entonces, Julian Schnabel (quien años después le dedicaría a modo de homenaje su debut en el cine, 'Basquiat'). Pero el abuso de las drogas y un resentimiento creciente porque no conseguía el estatus de respeto artístico y social que ansiaba, le convirtieron poco a poco en un ser algo paranoico y frustrado. Falleció a la edad (ya maldita) de 27 años a causa de una sobredosis de heroína. El documental disecciona casi de forma minimalista pero efectiva las circunstancias que rodearon su éxito fulgurante al mismo tiempo que deja de manifiesto (y aquí para mí hace su aportación más importante casi sin querer) una ambivalencia con respecto a la atracción que ejercía su estilo urbano y presencia exótica que era un imán para su trabajo entre la élite del arte y el panorama cultural a la vez que ésto suponía cierto freno para alcanzar cotas más altas, el racismo y clasismo intelectual o conservador subyacente y más o menos silencioso estallándole en la cara de forma sutil, algo que parecía observar con una media sonrisa entre burlona y amarga puesto que su trabajo, a pesar de su aparente aspecto algo naif e impulsivo, transciende su consideración con respecto a las raíces de la cultura popular y arqueológica que gustaban de poner de manifiesto los medios y entroncaba (de forma más o menos consciente) con lo mejor de la cultura artística de su siglo dando a su vez un paso adelante, lo que no impide que de vez en cuando surja algún reaccionario clasicista y vocacional (en el peor de los sentidos) tachándolo de sobrevalorado. Dicho lo cual y aunque suene reduccionista hay que dejar claro que Basquiat es, a efectos prácticos, uno de los máximos exponentes del paso del arte urbano a las galerías artísticas.

'The Radiant Child' is a documentary about the meteoric artistic career of Jean-Michel Basquiat (1960-1988), a guy who spent a few years living as a vagrant in the streets practicing conceptual graffiti to pass by in a short period of time as a fundamental artist in the recent History of Art. The conducting theme of the documentary is an amateur interview that the film's director and personal friend of the artist, Tamra Davis, made shortly before his death and that she has used to tell his career and personal life step by step. Although raised in a middle class environment, Basquiat left home in his teen age marked by rebellion and a romantic desire of true freedom and decided to wander in New York, barely surviving and decorating the city with mysterious statements signed as SAMO that stood out amid the boom of graffiti, which served to draw attention to himself and after a series of fortunate encounters and taking advantage of the interest generated saw him suddenly as a hollow star in the art scene, hanging with the VIP crowd, lover to Madonna and a close friend of Andy Warhol for example, selling all the work whenever an exhibition of his work was premiered, turning him quite soon into a millionaire playing almost in the same league as the artistic figure then, Julian Schnabel (who years later dedicated to him as a tribute his debut film, 'Basquiat'). But the abuse of drugs and a growing resentment for not achieving the artistic and social respect he craved for, gradually turned him into a bit paranoid and frustrated being. He died at the (cursed) age of 27 due to a heroin overdose. The documentary dissects almost in a minimalist but effective way the circumstances surrounding his dazzling success while puts into evidence (and this to me makes its most important contribution almost involuntarily) the ambivalence about the attraction that his urban style and exotic presence exerted among the elite of the art and cultural scene while this meant some obstacle to reach new heights, racism and classism underlying intellectual and conservative people and the more or less silent clasist mood exploding in his face in a subtle way, something that he seemed to watch with a half smile between mocking and bitterness because his work, despite appealing as naive and impulsive, transcends the roots of popular or ancient culture signified consistently in the media and meant a step ahead (more or less consciously) to the best artwork of recent times, although it does not prevent that his name occasionally encounters any classicist and vocational reactionary creep (in the worst sense) labeling him as overrated. But having said that is fair to clear out that Basquiat is, in spite of it sounding as a simple or even reductionist statement, one of the main figures when it comes to urban art making its step out of the streets and into the Art Galleries.

'The Radiant Child'
EE, UU, 2010
Dirigida por Tamra Davis

Exit Through The Gift Shop

'Exit Through The Gift Shop' es un documental sobre un documental nunca realizado que en realidad es la historia de un documentalista convertido en artista de éxito a base de copia y promoción. Esto que parece un trabalenguas sólo puede explicarse realmente al visionar este disfrutable documento visual realizado (¿o sería mejor decir terminado?) por el famoso artista Banksy, que además es uno de los protagonistas principales de la trama. El verdadero protagonista, además del Arte urbano, es el francés Thierry Guetta, que ha vivido obsesionado por filmar continuamente con su cámara de vídeo cualquier detalle de su vida hasta que se encuentra con una nueva fijación como consecuencia del contacto con su primo, el conocido artista 'Space Invader' (que ha plagado rincones de ciudades de todo el mundo con mosaicos de personajes de ese videojuego realizados con piezas del cubo de Rubick). A partir de ahí persiguió con su cámara a su primo y otros artistas para filmar su actividad hasta que contactó con el conocido Shepard Fairy y a través de éste a su ídolo Banksy, con el que entabla amistad y que, a pesar de su obsesión por el anonimato, le permite grabarle en vídeo continuamente. Al cabo de un tiempo reúne material suficiente como para editar un gran documental sobre parte de la mejor Historia del Arte en la calle, algo que le solicita el propio Banksy. En cambio Thierry crea un corto infumable y decide convertirse en artista callejero él mismo. Al fin y al cabo parece filmar como resultado de una obsesión y no por un objetivo concreto. El francés pronto se convierte en Mr. Brainwash, un artista de éxito rápido gracias a la labor de profesionales que producen su trabajo bajo sueldo y a la promoción y estrategia comercial, básicamente copiando todo lo que había estado a su alcance. Un claro exponente de la broma que puede ser el Arte o la vida y uno se pregunta varias veces viendo la película si lo que se cuenta es real o inventado. Genial y delirante (como casi todo) ese momento en el que Thierry decide sobre la marcha y casi sin criterio el precio de las obras (en cifras de miles de dólares que le convierten en rico en pocos días).

'Exit Through The Gift Shop' is a documentary of a never made documentary about Street Art and the story of a fake documentary maker turned into a succesful artist based on copying and promotion. This looks like a nonsense but it can only really be explained watching this visual piece made by (or should I say finished by?) famous artist Banksy, who is also one of the main characters in the plot. The main theme, as well as street art, is French Thierry Guetta, who is obsessed by shooting all the time with his video camera every detail of his life until he gets to know Street Art as a result of contacting with his cousin, the famous 'Space Invader' (which has placed in many cities around the world his mosaics of characters from that arcade game made with pieces from Rubick's Cubes). From then on he follows his cousin and other street artists with his camera shooting their activities until he meets the now famous artist Shepard Fairy and through him his true idol Banksy, with whom he becomes friends and, despite his obsession with anonymity, allowes his new friend to shoot him continuously. After a time Thierry has enough material to edit a great documentary about some of the main History of Street Art, something Banksy personally asks him to do. Thierry instead creates an almost unwatchable short film and decides to become a street artist himself. After all he was only filming as a result of an obsession and not because of a specific planning. The French soon becomes Mr. Brainwash, a successful artist himself, due to the work of professionals who produced his work under a sallary and the promotion and marketing strategy based on his own ideas and those of promoters, basically copying everything he faced in previous years. A clear statement of the big joke that Art and life can get to be, and one wonders through the film a couple of times if it's all a true story or a made up one, specially in moments like the one when Thierry is vaguely deciding the price of his artwork in thousands of dollars that will finally make him rich in a few days...

Bill Daniel

Bill Daniel es un fotógrafo vinculado a la movida skate punk y hardcore norteamericana de los 80s (Henry Rollins & Black Flag en la imagen superior) y director de curiosos proyectos románticos personales como la filmación de un documental sobre grafiti marginal. He is a photographer related to the skate punk and hardcore scene of the 80s and a filmaker of curious romantic projects like a documentary about some peculiar graffiti art.


[vía That's A Negative]



EscuchaListen
▶Henry Rollins Band·'Liar'

Blek Le Rat

Blek Le Rat·Pionero del grafiti con plantillaStencil graffiti art pioneer


[vía Fecal Face]

Spray masters

Un mini-reportaje sobre los pioneros neoyorquinos del grafiti. A short report on graffitti New York pioneers.

EscuchaListen J Dilla·'Fuck the Police'

Art crimes

Imagen encontradaFound image...

Estuve un buen rato mirando Art Crimes, una página que se ha convertido en una enorme enciclopedia de arte callejero. I was having a incisive look at the vast art street encyclopedia that is Art Crimes.

Horoiwa

Imagen encontradaFound image...




El estupendo arte practicado en la calle por Horoiwa.
Fabulous street art.


EnlacesLinks
NiceProduce
Wooster Collective
No Comply
Myspace

Bomb It

Trailer de un documental sobre el grafiti en el mundo. A global graffitti documentary trailer.

[Bomb It·Artistas]

Daniel Melim

Más arte callejero brasileño. Esta vez el trabajo de Daniel Melim. También en Fotolog.

Alexandre Orion

Más arte callejero brasileño; en esta ocasión el trabajo mixto de Alexandre Orion. Dibujos pensados específicamente para la realización de fotografías, aunque luego permanecerán fuera de ese contexto. También destacar el mural de calaveras que realizó en un túnel de Sao Paulo removiendo impureza de la pared. Más tarde la autoridad pública se encargó de borrar el trabajo removiendo la suciedad restante.

More street art from Brazil; this time the mixed media work from Alexandre Orion. Stencil paintings that interact with the city in a photo taken for the ocassion but will outlive the image out of that context. Also interesting the skulls mural he painted in a tunnel in Sao Paulo by removing the soot in the wall. Later the authorities erased the painting by removing the rest of the soot that served for the picture.

·Entrevista a Alexandre Orion en Bifurcaciones·
Por Ricardo Greene y Carlos Sierralta

1. Meta-Sao Paulo

Ricardo Greene (RG): Llevo sólo una semana aquí, así que hablo con esa irresponsabilidad que sólo se le concede al turista o al observador despreocupado... Sao Paulo es una ciudad que abruma por sus dimensiones, todo parece estar construido a una escala sobrehumana. ¿qué significa para ti vivir en una ciudad así?, ¿se te viene encima tal como me ocurrió a mí, o eso es algo que con el tiempo se deja de sentir?

Alexandre Orion (AO): Sao Paulo me gusta, es una ciudad intensa, inseparable. Nací y me crié aquí, y aunque puedo pasar muchas horas hablando de sus problemas, hay cosas maravillosas que prefiero rescatar. Creo también que si hay algo que no me gusta, debo salir y hacer algo en las calles, en la ciudad. Mi trabajo justamente se alimenta de los problemas de la ciudad, nace de ellos. A la gente le gusta criticar Sao Paulo, pero la verdad es que no es una ciudad tan terrible. Lo que pasa es que si te hago cariño te acostumbras rápido, y al rato lo dejas de ver. En cambio de lo malo no te olvidas.

Carlos Sierralta (CS): En una de sus muchas cartas, Herman Hesse le decía, creo que a Thomas Mann, que vivir las cosas malas nos permitía disfrutar de las buenas.

AO: Lo que quiero hacer es encontrar y mostrar lo que la gente ha olvidado. Los problemas son parecidos en todas partes, aunque hay cosas particulares. En Sao Paulo, por ejemplo, hay muchos carroceiros. Cuando viajas en auto ves miles de hombres empujando carrozas. En el auto no es nada, porque vas pensando en el trabajo o en otras cosas. Lo ves como alguien que va en auto. Por eso mismo me llamó la atención. Quizás tampoco sea bueno un caballo empujando una carroza, pero la idea es poner en cuestión. La triada hombre-caballo-auto. ¿Tienen en Chile eso?

CS: En Santiago al menos si, aunque cada vez menos. Recuerdo cuando chico verlos correr y tomar velocidades muy grandes. Al final casi iban volando por las calles, como en “El gringuito”.

RG: ¿Porqué escogiste ese nombre para tu trabajo, qué quiere decir?

AO: Metabiotica. Meta viene de algo más allá. Bi de dos y ótica de visiones. Entonces metabiótica quiere decir más allá de dos visiones. Es un juego con el lenguaje, porque yo juego con lenguajes. Lo que hago es tomar dos lenguajes y crear algo nuevo, una tercera cosa que no es ninguna de las dos. Eso es metabiotica. En mi trabajo la pintura deja de serlo para ser fotografía, pero la fotografía también muere para ser algo más. Los dos planos interactúan y mueren, creando un tercero que es la relación entre la pintura y la fotografía.

RG: ¿Si la pintura es Dios y la fotografía Jesús, es Metabiótica el Espíritu Santo?

AO: Si, si, algo así (risas). Aunque tiene también otra lectura, que es la tradicional: Metabiótica surge de Metabiosis, que es una simbiosis intermedia, entre el parasitismo y la simbiosis plena; es una situación en que un organismo prepara el ambiente y muere, y así otro organismo puede nacer en ese ambiente. En mi trabajo hay algo de eso.

2. El fotógrafo como francotirador

RG: Esa tercera mirada sería entonces la tuya, la del fotógrafo que es un francotirador agazapado.

AO: Si, es muy interesante eso. En una imagen, por ejemplo, el señor no vió la pintura, así que el significado de ella daba lo mismo. El paró y levantó las manos, como diciendo “estoy invadiendo la foto”. ¡Y mis piernas temblaron porque nunca esperé eso! Todo lo que hago es natural, yo me paro y espero. No escojo.

RG: Pero de alguna manera igual escoges, porque estás esperando que algo suceda para disparar. Con ello seleccionas algunos momentos por sobre otros.

AO: Sin duda que elijo, pero lo hago de una situación que es verdadera. En general yo no intervengo, no soy un elemento en la obra. En otros casos, como la imagen del señor y el hombre armado, la situación ocurrió porque me vio con la cámara, pero eso no es usual.

RG: ¿Es una realidad construida, entonces?

AO: El fotoperiodismo va a las favelas, escoge alguna imagen y la sobre-representa. Encuentra un niño sin piernas y lo generaliza. La credibilidad en la fotografía no existe. Por eso yo juego con la realidad, trabajo con ella, la pongo en duda al poner la pintura entre medio. Mis fotografías son reales en tanto él –el señor de la fotografía del disparo- iba pasando, y se detuvo ahí. La fotografía crea una realidad, pero nunca es realidad, aunque intente pasar por ella.

Dicen que la fotografía mata la realidad. Le dispara y la captura. Pero en esa fotografía el señor no levanta las manos por el graffitti, por el arma del joven pintado, sino por el disparo que yo le iba a dar, fue un “no me ponga en su mira”.

Sobre esa imagen un crítico dijo que es como si la imagen le disparara al hombre. Pero no puede hacerlo, no puede disparar. Esa es la victoria de la ficción sobre la realidad. Porque hay una transferencia, una carga que va de la realidad a la pintura, y esa carga amenaza al hombre, matando lo que le dio la vida. Y así de nuevo, esa es la brincadeira.

RG: Cuando le he mostrado a alguien tu trabajo, la primera reacción es siempre la misma: “es falso, ¿cierto?”. ¿Esa sensación de realidad falsificada es entonces algo que buscas conscientemente?

AO: Si, para la gente esa pregunta siempre es importante. ¿Cómo se hizo?, ¿Fue en Photoshop? La idea es justamente esa, que se pregunten por la realidad.

RG: ¿Pero esa reflexión fue algo que buscaste o algo que se produjo?

AO: Cuando empecé a los quince años con los graffitis no era un trabajo maduro, lo hacía para mí. El 2001 estuve leyendo mucho sobre fotografía y teología; leí a Barthes, Dubois, Zohar y a Capra, además de otros. Ahí comencé a preguntarme por la realidad, y empecé también a hacer mi trabajo no para mí, sino para otros. Me puedo demorar dos meses en una misma foto, pero no me importa porque es por los demás.

3. El arte de las escenas cotidianas

RG: El soporte del graffitti es siempre la ciudad, pero sus temáticas no siempre son –ni tienen que serlo- urbanas.

AO: Mmm, eso es algo que siempre he criticado. El graffiti que no se trate de la ciudad no es graffiti. Si tuviera que evaluar los graffitis no los jerarquizaría por estética o por otras razones, sino por cómo se relacionan con la ciudad.

RG: Pero aunque el graffiti no haya sido concebido expresamente con una temática urbana, su soporte levanta por sí solo una reflexión en esa línea.

AO: Si, como soporte muta la ciudad, es evidente. No soy taxativo. Pero yo valoro las acciones de arte, como los graffitis, cuando logran mudar el significado de un lugar.

Ahora, por ejemplo, tengo ganas de hacer algo con respecto a la situación de los mendigos. En Sao Paulo, en avenidas grandes como la Paulista, hay muchos mendigos comiendo de la basura. Quiero pegar en todos esos basureros un sticker que diga self-service.

RG: ¿Hasta donde llega el límite del arte? Te pregunto porque esa acción puede hacer pensar a muchos, pero también humillar a esos mendigos que quieres defender.

AO: Es que es una ironía denunciante. Es cierto que humilla, pero ellos ya están humillados, comiendo de las cosas que otros botan… la situación de los mendigos aquí es muy fuerte. Hace un tiempo (1998), para la Revista Putz, me vestí de vagabundo y caminé por las calles. Y nadie me miraba. Yo iba buscando contacto visual, pero nadie respondía. Miraban a través mío.

CS: ¿No sería algo con todos y no sólo contigo?

AO: Por esa época yo usaba dreadlocks, y era usual que la gente me mirara mucho en la calle. Me vestí como un vagabundo y pasé a ser invisible, a no existir a ojos de nadie.

RG: ¿No es esa una condición de la ciudad? Simmel decía que la muchedumbre nos obliga a diferenciarnos para recobrar nuestra individualidad, perdida en la masa.

AO: Puede ser, es una manera de no enloquecer. Lo entretenido de mi ejercicio es que con los dreadlocks me miraban como si tuviera un estilo, como un extraño, un antisistémico, pero visible, que hacía una diferencia. Porque la indiferencia tiene otro sentido, y es que todos nos vestimos para ser iguales, pero cuando unos se salen del esquema los otros se sienten agredidos, quizás envidiosos por esa libertad.

RG: Para muchas personas, la pobreza tiene que ver con una cultura de la pereza, del mínimo esfuerzo; según esa lógica, se es pobre porque se ha escogido serlo. Tu trabajo sobre los vagabundos juega con esa idea. Estoy pensando específicamente en esa imagen donde un tipo le está gritando con un altavoz a un mendigo. Me gusta la tensión de esa foto, porque el mendigo no aparece como una figura violenta sino mas bien violentada. Su cara es apacible, e incluso puede parecer mártir, por los brazos cruzados sobre el pecho. Esto contrasta fuertemente con la violencia con que el otro hombre le grita, quizás denunciándolo, quizás llamandolo a trabajar...

AO: En mi opinión esa es una de las imágenes más sonoras de la serie. Cuando surgió en micabeza tenía una relación con el ruido de la ciudad. Yo imaginaba que esa cara con megáfono era la propia ciudad con su barullo ensordecedor, que te denuncia y exije constantemente. Las metrópolis, tal como las conocemos ahora, son una de las cosas más violentas que el hombre ha producido. Los niños, los locos y todos nosotros somos vagabundos. La ciudad con su publicidad sofocante es un aviso contra el vagabundear. Te empuja, te exije trabajo, productos, renta y posición. En países del tercer mundo como los nuestros, en los que la mayoría de la población vive en los niveles de pobreza, luchando diaramente para sobrevivir, si alguien se arriega a vagabundear algunos minutos corre el riesgo de perderlo todo.

RG: La imagen del niño es la única de metabiótica que ocurre de noche. ¿Por qué la única imagen noctura está cargada de tanta tensión?

AO: Un crítico dijo que yo anticipaba lo qué iba a suceder. Pero en esa foto no se sabe que va a suceder. Tú puedes pensar que hay tensión porque va a ocurrir un delito, pero eso no lo sabes. Nadie sabe, ni yo. El niño parece estar jugando, puede estar preparando un delito, puede estar escapando de uno. No sabemos si es victima o victimario. Los meninos da rua viven en esa condición, son victimas y victimarios a la vez, no saben que va a pasar con ellos. Su futuro es incierto, y eso lo rescato en esa pieza.

CS: Cuando vi tus fotos hubo algunas que me recordaron mucho a Paralamas. “O Calibre”, por ejemplo, tiene esa música de carácter impresionista pero denunciante de las injusticias de la ciudad.

AO: Yo escucho bastante a Itamar Assumpçao, quien también tiene una relación con la ciudad pero distinta a Paralamas. Es muy paulista, pero habla más de lo que ocurre dentro de la casa que en la ciudad. Es lo que la ciudad causa en él, como lo procesa. Sus canciones hablan de la falta de solidaridad, de tener que arreglárselas solo, de la malicia, de la policía, de la resignación. Es muy marginal, perturbadora. Los Paralamas son más contraculturales, como en “Alagados”.

4. El cambio y la permanencia

RG: ¿Qué ha pasado con los graffittis?

AO: Los primeros graffitis que hice, entre el '98 y el 2000, eran diferentes, coloridos, aunque también trataban temas sociales. Y se demoraban muchos en ser tapados. Cuando comencé a hacer estos graffitis de metabiótica tuve la sensación de que eran tapados mucho más rápidos.

RG: ¿En esta fotografía querías hablar de eso? ¿Es una denuncia o sólo un reconocimiento al ritmo con que se mueve la ciudad?

AO: Tengo muchas pintando la pared completa. Pero no las voy a presentar porque me gusta la tensión que tiene esta entre un lugar y otro. Da la idea de uno que es falso y otro que es real. De algo continuo, de uno que pinta continuamente y de uno que escribe por siempre.

RG: Como los ritos de la creación, donde hay siempre dioses que crean y otros que destruyen, y así por siempre. ¿Como entra dios en todo esto?

AO: Me da reparos hablar de eso, porque suele ser mal visto. Mi vida tiene eso que hablas, algo de espiritual, de crear y destruir. Y así también mi obra. Especialmente por la espera, por la experiencia, por la relación que se establece con las personas, de ver sin ser visto.

RG: Creo que una de las enfermedades de hoy es la locura por la memoria, por el almacenar, que quizás es otra modalidad del consumismo o del capitalismo de segundo orden. Por eso mismo me atrae mucho la idea de un artista que encuentra realización y significado en la destrucción de su obra.

AO: Lo rápido que se destruían los graffitis me incomodaba al principio. Después entendí la razón, y era que las pinturas estaban tratando cuestiones sociales importantes de una manera mucho más objetiva. Y eso molesta a las personas. El graffiti del túnel, por ejemplo, duró un mes y medio. Después de que lo taparon un amigo fue a esa pared y pintó dos muñecos violentos. Y siguen hasta hoy…

CS: ¿Quién los sacó? ¿El gobierno de la ciudad?

AO: El gobierno, sí. Entre las 6 y las 7 de la tarde hay mucho tráfico. Todos quieren llegar a su casa, y hay mucho humo y stress. El graffiti mío causaba mucha molestia, irritaba. Y eso tiene que ver también con el emplazamiento que escogí. El de mi amigo es gráficamente mucho más violento y fuerte, pero en ese lugar el mío era el que generaba incomodidad. Piensa que son a tamaño natural, y eso genera incomodidad.

RG: Después de Metabiótica hiciste Desdobramiento 11, una reposición de una de las imágenes en el mismo lugar en que había estado. A diferencia de las anteriores, el graffiti no lo dibujaste sobre la pared desnuda sino que sobre cientos de copias de la imagen original, pegadas a esa pared. ¿Cuál fue el sentido de esa experiencia? ¿por qué quisiste replicar el graffiti, pero ahora sobre sí mismo? ¿Se trataba ahora de una meta-metabiotica, por decirlo de alguna manera?

AO: Distribuí a lo largo de la pared la primera fotografía producida en Metabiótica, y cubrí la imagen de la mujer que había sido cubierta por posters. La idea era crear en la pared un espejo histórico de la mismo, haciendo volver la intervención que había sido cubierta, sólo que ahora recargada de historia y significado. En verdad, diferente a otras intervenciones que tienen su momento cúlmine en el disparo de la fotografía, ese desdoblamiento tuvo su punto máximo en la propia intervención urbana. El señor que aparece en la imagen leyendo un diario es parte cotidiana de ese lugar. A pesar de que la fotografía no mostraba su rostro, las personas lo reconocían.

La razón que me llevó a escoger esa intervención fue que la pintura original de la mujer había sido cubierta por propaganda. Las otras intervenciones fueron pintadas, apagadas, pero esa había sido cubierta por publicidad. Y con eso pasó algo muy interesante: después de que cubrieron la primera intervención, las empresas empezaron a utilizar esa pared para poner carteles con mucha intensidad, cambiándolos semanalmente. Luego de Desdobramento 11 volví a ese lugar y los carteles habían sido actualizados, pero la empresa, por alguna razón, había respetado el área de la intervención. Colocó un cartel a la izquierda, en seguida utilizó una franja blanca para delimitar la intervención, y continuó colocando carteles a la derecha. Eso es algo que me sorprendió y emocionó mucho. Fue, sin duda, una meta-metabiótica.

RG: ¿Cuán dispersos estaba por la ciudad? ¿Interviniste algunos pedazos específicos de Sao Paulo, como los circuitos turísticos, o fue un proyecto en toda la ciudad?

AO: Bastante dispersos, sí. Había en el centro, en el norte, en el este.

CS: ¿En alguna favela? ¿Paraisópolis, Heliópolis?

AO: No, allá no. Hay una favela bien cerca de esos lugares. Pinté ahí un cachorro en una gran lata de basura, un self-service de perros. Al fondo se veía la favela.

CS: ¿Pides permiso para pintar?

AO: Sólo cuando es privado. Cuando son públicos son muros de todos, tuyos y míos.

RG: ¿“Lo que es de todos no es de nadie”?

AO: Jaja, sí, algo así.

5. Los futuros

RG: Ya completada la primera etapa de Metabiotica, ¿Qué piensas hacer ahora?

AO: Tengo la idea de viajar a otras capitales y replicar esta idea, perfeccionándola. Río, por ejemplo, es mar, y eso es relevante, levanta nuevas preguntas. Santiago, por lo que me han dicho, también puede ser interesante. Me han ofrecido montar de nuevo Metabiótica, pero con museos privados. En noviembre, eso sí, tengo que viajar a Paris para exponer y en marzo a San Francisco.

RG: ¿Sólo ciudades? ¿qué pasa con lo rural?

AO: Si, puede ser, pero siempre buscando algo artificial, con algún paso del hombre. Dentro de la propia ciudad hay también elementos rurales, quizás no hay que ir al campo para encontrar lo rural.

RG: Operativamente, ¿cómo funcionas? ¿Necesitas estar un tiempo en cada lugar para captar un poco la esencia de los barrios o ciudades, sus grandes temas y problemas? ¿O es una labor más bien mecánica?

AO: Mi idea es quedarme dos meses y estudiar un poco, conocer los lugares. El resto es relativamente rápido… aunque, claro, hay fotos que se demoran dos o tres meses en tomarse.

RG: Nos están esperando para cerrar el bar.

AO: Si, tienes razón. Vámonos mejor.

RG: Pidamos la cuenta.

AO: Ya está todo arreglado. Es mi ciudad, esto corre por cuenta mía.

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Alexandre Orion
Bifurcaciones


[vía Stencil Brasil]

Ananda Nahu

Una nueva entrega de arte callejero, esta vez proveniente de la destacable escena de Brasil. A new street art post, this time from outstanding Brazil scene.


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Banksy

Banksy es un artista y activista que usa medios como el grafiti o la intervención con mensajes predominantemente anti-sistema. Tuvo repercusión en los noticieros su acción en algunos importantes museos colgando clandestinamente algún objeto realizado por él, a modo de burla sobre el elitismo del arte. Al mismo tiempo su progresiva cotización artística ha sido calificada de incoherente por otros activistas. Puedes mirar algunos trabajos en su web. También puedes visitar la página del Festival Cans, organizado por él en un túnel de Londres cuyas paredes pone a disposición de diferentes artistas.

Banksy is an artist and activist who works on means of expression such as graffitti or intervention, usually making statements against the establishment. You may have heard on the news about his action in some important museums exhibiting without permission an object produced by him, in a sort of joke about art elitisim. At the same time some of his pieces have experienced financial success, what have been pointed as a contradiction by some other activists. You can watch some of his acts at his website. I also want to point out the Cans Festival, organized by him for other artists in a London Tunnel.

Video: Banksy en el museo